Platicamos con la diseñadora industrial Elissa Medina quien, con su trabajo, ha explorado las posibilidades del color y la forma en piezas de porcelana únicas en su tipo.

Por: Redacción

Fotos: Cortesía

Conocimos a Elissa Medina en 2013, en el Museo Numismático Nacional, justo en la presentación de Brand New, un proyecto que exploraba los textiles a través de tapetes con inspiración en el arte Huichol y que formó parte del Abierto Mexicano de Diseño. Seis años más tarde fue Wanted Design, en Manhattan, donde nos reencontramos con su trabajo, esta vez explorando el mundo de la cerámica con una serie de jarrones de porcelana en gradientes de color mate.

Es a propósito de esta colección que tuvimos una entrevista con Elissa, diseñadora industrial por la UNAM, con una especialidad en Arte por la Escuela de Artes Decorativas de París y quien, desde hace 4 años, reside en Nueva York.

¿Cómo comenzaste a trabajar con cerámica?

Mi primer acercamiento a la cerámica fue en el taller Díaz de Cossío en Coyoacán. Teníamos acceso al taller como una clase optativa que Alberto (Díaz de Cossío) daba en la UNAM, aunque ahí todavía la cerámica no me hacía click. Un par de años después comencé a trabaja en el taller de la UNAM dirigido por Emma Malagón, donde también conocí al ceramista Julio Martínez. Ahí fue donde empecé a interesarme más. Trabajé brevemente en Arta Cerámica.

La verdad es que de todos aprendí. Les tengo mucho respeto y cariño.

¿En qué te inspiras?

Soy muy curiosa. Me puedo inspirar en referencias muy variadas.

Me interesa que mis objetos no se tomen muy en serio, que haya espacio para el humor y la fantasía. Me gustan los contrastes entre referencias visuales casi opuestas. La simulación y lo tangible; lo inerte y lo vivo, las imágenes 3D y los objetos hechos a mano.

La cultura popular ha sido un referente muy importante. Antes me interesaba mucho hablar de la identidad, pero creo que necesitaba exorcizar los lugares comunes de la cultura mexicana a los que me sentía atraída y que al mismo tiempo resentía como cadenas (autoimpuestas o imaginadas). Octavio Paz termina Posdata con la frase: “tenemos que aprender a ser aire, sueño en libertad”. Yo pensaba seguido en esa frase. Ahí es todavía donde quiero vivir; aprendiendo a ser aire, sin olvidar el pasado, pero libre para imaginar y construir el mundo que quiero.

¿Cómo ha evolucionado tu técnica con el paso del tiempo?

No estoy interesada en la perfección manual. Aunque he ido mejorando técnicamente, lo que me interesa son las ideas. Jerry Saltz siempre habla de redefinir la habilidad, ahí coincido mucho. La técnica por sí sola no es suficiente, hay que volver al trabajo algo personal, contar las historias que nos pertenecen, las que nadie más puede contar. La diferencia con mi trabajo actual es que ahora mis piezas son más personales, más arriesgadas.

¿Trabajas con algún taller en especial o tienes tu propio taller?

Trabajo en un taller colectivo que es histórico en Nueva York, llevan haciendo cerámica desde hace 100 años. El taller tiene una comunidad super fuerte, he conocido ceramistas buenísimos y muy generosos, el conocimiento colectivo del lugar es impresionante, he aprendido mucho. Por otra parte, trabajar en un lugar ya establecido me ha permitido justamente eso: trabajar. No tengo que preocuparme por la administración del lugar ni por los aspectos técnicos desde cero (hacer mi propia pasta, mis esmaltes, planear un sistema para recuperar la arcilla y no dañar la plomería), trabajar en colectivo me permite ser muy flexible. Llego y estoy lista para atacar.

Las piezas que componen esta colección son tratadas como si fueran líneas de un dibujo en 3 dimensiones.

Entiendo que para tu nueva colección, los modelos originales fueron tallados por artesanos de Bali, ¿cómo surge esta colaboración?

Llegué a Bali porque estaba trabajando en un proyecto para la artista Camille Henrot en Singapur. De ahí, Bali está a un paso.

Acaba de lidiar con una pérdida devastadora y estaba buscando algo, aunque no sabía bien qué, en Bali. Terminé desarrollando parte del proyecto ahí, como de casualidad, de una manera muy orgánica, no fui ahí con ese objetivo, pero estoy contenta con el resultado, los modelos tienen un feeling hecho a mano que no hubiera sido logrado con otros procesos. Mis dibujos originales también tenían esa calidad en sus líneas. Trabajé con el maestro I Md Ada, no hablábamos el mismo idioma pero dibujábamos y nos terminamos entendiendo.

Tan importante es el producto final como el proceso creativo. El trabajo de Elissa Medina se basa en los años de formación de la artista en México, creciendo rodeada de un paisaje diverso y caótico pero que también está lleno de colores vibrantes y está bañado por un intenso sol. Este contexto crea el escenario para la artista.

¿Qué es lo que más amas de tu trabajo?

El proceso de creación y compartir ideas con otros artistas. Me gusta ir a mi taller a trabajar o ir al taller de otros a ver y compartir.

¿Cuáles son tus colores y materiales favoritos?

Los textiles y la cerámica han sido con lo que más he trabajado. No tengo un material favorito. Un amigo me decía que yo lo que tengo es un vibe, creo que tiene razón.

Colores favoritos: TODOS y si son al mismo tiempo, mejor.

¿Qué música escuchas mientras trabajas?

Ahorita mucha Rosalía.

¿Algo que siempre hayas querido hacer de manera profesional?

Antes bailarina. Estuve a punto.

Lo bonito de Nueva York es que es una ciudad donde te puedes reinventar las veces que quieras. La sociedad neoyorkina es muy abierta. Hay menos etiquetas y eso me va muy bien porque siempre sufría bajo la etiqueta de “Diseñadora”, creo que nunca me quedó muy bien esa descripción.