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本期ISCD象境软装志，带您了解知名艺术家及其经典作品，为生活居所带来跟更多装饰创意。

贾科梅蒂（AlbertoGiacometti，1901～1966），瑞士超现实以及存在主义雕塑大师，画家。1901年10月10日生于博尼奥，1966年1月11日卒于库尔。早年画过素描和油画，成就最大的是雕刻。作品反映了第二次世界大战之后，普遍存在于人们心理上的恐惧与孤独。

贾科梅蒂是当今拍卖场上最昂贵的雕塑家之一，生前潦倒的贾科梅蒂，离世后才变成艺术界的神话。如今，100瑞士法郎的纸币上印有他的头像和作品。

好莱坞商业片《钢铁侠》中，为了更好地烘托主角无可挑剔的品位与无法计量的财富，在托尼·斯达克家中出现了由瑞士超存在主义雕塑大师阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）创作的艺术品《行走的人》。

作为20世纪最伟大的雕塑家和艺术家之一，贾科梅蒂的作品以 “瘦削”闻名，瘦瘦的人形仿佛是欧洲20世纪中期的精神写照，同时弥漫着孤独、迷茫、痛苦、反思的气息，被誉为现代主义精神的化身。

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2015年贾科梅蒂仅有117件作品上拍，却以拍卖总额2.516亿美金，居全年现代艺术家榜单亚军。死后才名扬世界的贾科梅蒂，生前艺术生涯并不顺遂。除了表现二战后人们的孤独、脆弱、痛苦，他的雕塑和绘画作品里也浸满了他自己的痛苦挣扎。

安迪·沃霍尔（

Andy Warhol, 1928.8.6－1987.2.22

被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。

他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。

沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。

法国设计师伊夫·圣罗兰在家中，身后是安迪·沃霍尔为他画的画像。

他成功地将商业和艺术嫁接在一起，他不惧于与商业的合作，用他自己的话说就是：“赚钱是一种艺术，工作是一种艺术，而赚钱的商业是最棒的艺术。”安迪·沃霍尔的作品和商业广泛交融，并且以通俗的方式流行于大众当中。正是基于这种理念，安迪·沃霍尔成为了奢侈品牌的宠儿，开启了后来艺术与商业的广泛合作。

沃霍尔无疑成为了波普艺术的代言人，他既懂得包装自己，也明白市场的喜好。他聪明地将广告的概念应用于他的艺术形式之中，利用消费品，名人，新闻故事和重复的图像来突出“大规模生产”的概念，与从前传统艺术和抽象表现主义追求的艺术品理念完全相反——艺术品不再是仅此一件，独一无二的了，艺术品也可以变成大规模生产的产品。

Campbell’s Soup Cans (1962)

如果说，1917年，杜尚用一只陶瓷小便器定义了什么是现成品艺术（

ready-made

），那么，四五十年后的沃霍尔就把商品和名人的形象也纳入到了现成品的范围之中。

Brillo Box (Soap Pads) (1964)

艺术家很少提及他的作品背后有什么存在意义或是内容的隐喻。沃霍尔说，“你看到的什么就是什么。”

凯斯哈林是90年代的著名的美国街头绘画艺术家和社会运动者。那时的美国刚经历了现代艺术的洗礼。

Keith Haring喜欢在公众场合画画，喜欢有人看着他画，对他来说这是一种哲学和社会学的实验，他在学习在观察人们对他画画的反应和互动。

《无题》，1983，篷布上的乙烯基漆绘画

从1980年到1985年，他创作了数千幅公共画作，发展了他卡通般的人物和符号风格，同时也成就了他的知名度。渐渐地，他与其他艺术家、音乐家和诗人一起，在俱乐部、餐馆，甚至在非法占用的建筑或“棚屋”举办展览，这在20世纪80年代初的纽约市很常见。尤其是Mudd Club和Club 57，成为当时年轻创意人士的必去热点。让大众与艺术产生联系的地方不止在美术馆，而是触手可及的生活场景。

上世纪80年代，艺术圈中根深蒂固的社交因素——飞机票、鸡尾酒、博览会。导致只有荷包鼓鼓的资本大亨们才能够跨过这个艺术品行业的交易门槛。试图想要突破这个生态圈的Keith Haring便在纽约Soho区开了一家“流行商店(PopShop)”。

1987年，Keith Haring在东京开设了第二家Pop Shop

Pop Shop出售的商品价格均在大众消费水平，极低的成本使人们更容易接触到他的作品。尽管这个做法引来了铺天盖地的批评，但Keith Haring仍旧希望作品能尽可能触达到每一位看众。“这样的做法并不会使艺术变得廉价，因为这本身就是一种（公共）艺术。”

We the Youth-1987 （Philadelphia）

Keith 非常喜欢参与儿童项目。

Keith Haring和蜡烛的联名款

提到周春芽，总会想到他的两个标签。一个是“最贵在世艺术家”，市场赋予的。按《2013胡润艺术榜》的说法，周春芽的画在公开拍卖市场，达到了4.7亿元的总成交额，是当时最年轻的在世艺术家“状元”。

再一个是“对于色彩有着最佳把握能力的当代艺术家”，业内人士赋予的。在周春芽的画作里，能看到“祖师爷赏饭吃”的色彩天赋：有饱满、热烈的颠覆感，亦有和谐、纯净的温柔力。

两只卡恩版画（2020版）《两只卡恩》中，延续了“绿狗”的象征性表达，意向的形体之内，是更繁密和大胆的笔触，通过皴擦，扭转画笔达到艺术家情感的转换，也让狗的形象更具雕塑实体感。

"‘桃花’系列中我描绘的就是人类与生俱来的欲望。我的绘画不是现实的实证，也不喜欢婉转的隐寓和深沉的象征，我喜欢把那些掩藏在我们内心最底层而又最本质的东西干净利落地导引出来，画画就是过瘾！”于周春芽，某种程度上都象征着他自己，“它们的形象以及所处的场景，实际上都是我文化性格及现实生存境遇的投射。

有朋友说我的画具有一种“温和的暴力意味”，实在是说的太贴切了，我的绘画趣味总是在“温和”与“暴力”之间——由狼狗到桃花又开始了一次由“暴力”到“温和”的转换。”——周春芽

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1927年7月24日，卡茨出生于纽约布鲁克林区的一个犹太家庭。温馨和睦的家庭氛围培养了卡茨对文学、艺术以及时尚领域的兴趣。高中时期，卡茨唯独钟情于美术课，对绘画表现出浓厚的兴趣与热情。

即使现在93岁，Alex Katz依旧一周工作七天，特别卖命！尽管已经画了60多年，卡茨依旧有着旺盛的创作灵感，近年来还不断地在自己熟悉的人物肖像领域做创新，并且做起了雕塑。

他是艺术界广为人知的“宠妻狂魔”。

AlexKatz

第一次遇见Ada就一见钟情，他们都是极度热爱生活、爱度假、爱夏天的人，因此Katz画笔下无数记忆中的Ada就变成了一幅幅流传几十年的作品。

而已经迈过90岁

AlexKatz

和Ada至今仍然相伴左右。

在卡茨的作品中同时可以看到一个女人如何优雅的老去。

Blue Umbrella, 1972

而撑着伞的Ada《Blue Umbrella》，也成为Katz最著名的作品之一，曾在2019年富艺斯（Phillips）拍卖中创下337万英镑的艺术家个人记录。

Katz1959年就第一次创作了重复的人物形象，安迪·霍尔的波普风格都是受卡茨影响的。

卡茨在上海的展览现场。剪贴画（Cutouts）的展出就像一个艺术装置，吸引了许多观众在这里拍照留念。

1960年代左右，卡茨投入一件作品的创作，可怎么画都不满意。最终，他决定毁掉画作。不过在毁画之前，卡茨将其中两个人物的轮廓剪了下来，贴在墙上，经过深思熟虑后，他又将这两个轮廓贴在了木板上，这也是他创作剪贴画的起点。此后，卡茨以近乎偏执的热情，持续强化作品的扁平化，他将绘画对象切成独立的木板和铝板肖像，将现代艺术和民间艺术手法融合在一起。

时尚品牌也争先与卡茨合作。因为他的作品呈现的，是你能触碰得到的那种好看，简约、风趣、有故事性，时髦现代，且优雅。H&M在2016年就和卡茨合作推出联名款系列The Alex Katz H&M Collection。

软装志主讲人：韩韩

ISCD象境设计·软装设计师

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