【首发】木及设计 | 展笺-创业三年的设计恋爱
在今天这个去大师的时代里
时尚与艺术不再被个人所定义
人人都是潮流玩家
那么
在此之前谁领导了这些浪潮
教师节之际
我们来聊聊这些不同领域的大师
...
01
杉本博司
观念摄影第一人
“杉本博司自画像”
他的作品以黑白摄影为主，代表作有《海景》系列，《海景》三联于2007年以188.8万美元拍出，迄今依旧是亚洲当代摄影作品拍卖的最高纪录。
他被誉为观念摄影第一人、哲学摄影家、最后的现代主义者，2001年荣获被称作“摄影诺贝尔奖”的哈苏相机基金会国际摄影奖。
《海景》系列作品
说到上世纪七八十年代的日本摄影师，尽管各自风格略有不同，但无论是无师自通的野性，还是极致细腻的情感，无论是对比强烈的黑白，还是明艳轻快的彩色，通过镜头所捕捉到的景观、若隐若现的民族服饰，人物五官、造型等等，都促成了一股相对典型的视觉表达，即一看那照片，你或许无法明确究竟出自谁人之手，但你知道他来自日本。而在这些人之中，或许只有杉本博司身上没有这种强烈的视觉特性。
“卡斯特罗”，1999
1974年，杉本博司从加州移居纽约。来到一座全新的城市并决定长住于此，杉本博司迫不及待地探索这片新大陆。当漫步至纽约自然历史博物馆时，看着被安置在画布前的人造模型：企鹅、北极熊、原始人等等，杉本博司试着像相机的快门一样，仅在眨眼的瞬间定格这些被摆布的画面，而一瞬间提供的视角居然给这些动物注入了一丝真实感。
“卡朋特中心”，1993
“北极熊”，1976
杉本博司就这样开始了自己的第一个艺术项目「透视画馆」(Dioramas，1976-2012)，在黑白大画幅底片的攫取下，伪造的场面变得栩栩如生，而这一切或许只有能把时间像切片一样保存的照相机才能做到。
《佛海》系列作品
杉本博司坚持使用大画幅胶片相机与810胶卷进行拍摄，拒绝电脑后期的暗房工艺，意图通过摄影这一形式，来探寻人类、时光、历史、记忆这些永恒的话题，他用他的摄影去探索科学中本质的对于时间的理解与定义。
杉本博司“偷取”那些风景，历史上的艺术品，并非关于原原本本的纪实，而像是贾科梅蒂的雕塑，舍其筋肉，就其骨干。将其渲染以杉本博司的色彩，长曝光，黑白色调，重现于世人的眼中。艺术品经历了一个轮回，其灵魂再一次复活于人们的视野中。循环往复。
02
希区柯克
惊悚悬疑电影大师
40年前，电影世界永远地失去了他——阿尔弗雷德·希区柯克，这位用一生解剖一种类型的导演，这位近乎重塑悬疑类型语法的大师。
阿尔弗雷德·希区柯克(1899年8月13日-1980年4月29日) ，出生于英国伦敦，导演、编剧、制片人、演员，拥有英国和美国双重国籍。
1958年《迷魂记》变焦镜头
暴力、性与浪漫是贯穿希区柯克电影的主题，承载这些主题的是充满悬念、刺激气味的悬疑故事。他所有的作品都带着深刻的导演印记。可以说，几乎没有悬疑片导演敢说自己在创作上没有受过希区柯克的影响。
他一生曾五次提名奥斯卡最佳导演，却每次都失之交臂。1979年，他终于迎来了奥斯卡终身成就奖。这份迟来的荣誉并没有陪伴他多久，第二年春天，他便去世了。
拍摄《群鸟》(1963)时的蒂比·海德莉与希区柯克
希区柯克被誉为滞后的英国电影工业的巨大希望。
他十分重视用非常规的拍摄角度和照明效果去制造和保持戏剧悬念，以至于一个简短的场景都要花一个上午的时间才能搞定。
希区柯克，《惊魂记》
在电影界没有谁能比希区柯克更擅长讲故事了。浴室里的尖叫、黑色群鸟盘旋、精神患者狞笑着的注视......
希区柯克在电影史上留下的这些经典场面给人以深刻的印象，也为惊悚类影片树立了优秀的标准线。这位精明的导演所创作的许多电影叙事技巧，直至今日也被视作最有效、最富情感冲击力的电影模式。
《惊魂记 》中的“加州姜饼楼”
《惊魂记》中贝茨旅店的楼梯
希区柯克创造的空间充分演绎了多重感知，环境和建筑元素在他的电影中扮演着重要角色。他的电影多开始于一种田园般的诗意与轻松，场景与建筑反映中产阶级生活中一种略带天真与可笑的平衡。在不受限制的精神空间中感知建筑和电影的方式多有相似。电影是被投射的图景，建筑形象被具体实现。
两种艺术形式都界定了生活的框架，界定了交流的情境和解读世界的维度。建筑衔接自我与世界体验，电影思维帮助我们建立并“驯服”空间。一次积极的空间体验能够将自我经验确凿而舒适地置于文化整体中。希区柯克的电影精准地击中了这种微妙的体验。
03
托马斯· 鲁夫
编辑和重构图像的大师
托马斯· 鲁夫
1958年，托马斯· 鲁夫出生于德国南部的小镇，他笑谈16岁时就拥有的第一台相机是日本产的Nikkormat，学生时期拍过德国南部的风景以及兄弟姐妹们的肖像。1989年至1992年拍摄的，总共150张左右的《星空》系列，均以星座在天空中的坐标来命名，成为他摄影艺术上的转折点。
鲁夫以一种严肃、端正、平凡的画面结构，能够一览细节的柔和光线，没有明度和饱和度强烈对比关系的色彩，毛孔发丝清晰可见的大尺寸画幅，记录了一个个"客观"的面孔。
这种拍摄方式继承了德国20世纪初期的以奥古斯特·桑德的肖像为代表的"新客观主义"摄影理念，鲁夫拍摄的肖像是消解了身份的普遍人类的肖像。观者原本希望在凝视这些作品中的熟悉或不熟悉的人物，对他们的内心或身份做以探究和确认，但他们得不到关于照片里那个人的任何信息，艺术家只是想给观者呈现一张某个人的照片。
在鲁夫看来，摄影不能够反映人类皮肤以内的任何东西，这和大多人对摄影的看法完全相悖。人们从摄影发明开始就把它作为一种万能工具过度使用，热衷于把摄影当作窗户向外看世界，或者当作镜子看自己，从而忽略和掩盖了摄影的"复制性"的原本概念，鲁夫坚信摄影唯一能做的事只是复制，尤其是在艺术的范畴内。
《星空》系列
鲁夫经常使用科学照片作为他的工作的原始资料，并在研究摄影的图像产生潜力时发现了NASA的照片。他完全迷住了超出常规人类经验范围的极其逼真的，自然主义但又奇怪的宇宙照片。
在使用这种材料的过程中，鲁夫将在垂直于轨道的垂直方向上拍摄的图像转换成倾斜的视图。由此产生的伪视角和为黑白照片增添的色彩强调了风景的非凡感觉，但并未改变其特征。ma.rs系列再次展示了鲁夫在将事实材料文档和正式优雅相结合的最先进技术中的运用能力。
不同时期，不同流派的摄影家大都更愿意从摄影中发掘更丰富广泛的内涵和表现，以求走到"艺术" 的阳光大道上。鲁夫则正好相反，他试图彰显摄影的本质特性从而使其在艺术丛林中争得一席之地，或者说，他使摄影回归到摄影本身。
托马斯·鲁夫是德国杜塞尔多夫学派的重要人物，并成为德国当代摄影甚至国际范围内独一无二的现象级存在。可以说，他是“非典型”的杜塞尔多夫学派门徒，他是永不安分、无法归类、离经叛道的影像探险者。
04
藤原浩
潮流教父
1964年，日本的三重县，一个对日本潮流产生巨大影响的人出生了。他便是藤原浩，或许在现在的年轻人们看来藤原浩一直在恰烂钱到处联名，但是在当时他对日本潮流的影响力可谓是巨大的。
年轻时的藤原浩
在《原宿牛仔》这本书中，有段话是这么写的：“藤原浩是三重县最酷的少年 —— 他溜着自制滑板到处玩，听性手枪（Sex Pistols）乐团的歌，在乡村摇滚乐团里演奏。说不定他是整个西日本最酷的年轻人。
当然，他也是唯一写信到大阪的服饰店，要求购买薇薇安・韦斯特伍德的叛乱分子（Seditionaries）系列商品的高中生。他实在太酷了，因此 18 岁迁居东京后，他在地下派对“伦敦之夜”上获“最佳穿着奖”，得到趟免费的伦敦行。他在伦敦遇见心目中的英雄薇薇安，以及她的伴侣马尔科姆・麦克拉伦。一年后重返英国时，藤原浩到他们的商店世界尽头工作。”
藤原浩和Vivienne Westwood
其实从这里就已经可以看得出，当年的藤原浩之所以能被给予这么高的评价，可能与他喜欢的音乐类型有关。朋克是他接触最早的音乐类型，而恰巧朋克文化对于一些事物的反思与批判，可能同时也改变了他观察事物的方式方法。
1983年的纽约，一种新的音乐类型正在逐渐崛起，那正是Hip-Hop音乐。他在纽约的许多青年们的派对中听到了像Kool Lady,Afrika Islam等人的作品，对此他深深的受到了Hip-Hop这种音乐类型的影响。他后来将这种风格和刷碟技巧带回到了日本，让日本的音乐文化环境又增添了一缕新鲜的空气，而在此之后，日本的年轻人们便开始效仿他，进行再度创作。
到了后来，藤原浩一直在来往世界上的各个大城市，从而“进口”一些新鲜的东西回到日本东京。他带回来的不仅仅只有全新的音乐和新的信息，对滑板文化热爱的他，还接触到了Stüssy，
认识了Shawn Stussy（一手奠定了stussy这个潮牌巨头的基石），他不仅送给了藤原浩一个装满Stüssy的巨大箱子，还让他成为了日本地区Stüssy的代理。
他还是第一个 Stüssy Tribe 的亚洲成员。
后来在1989年的时候他创立了GOODENOUGH品牌，应该是日本真正意义上的第一个街头品牌，这个品牌对于潮流具有明锐的嗅觉。
吸收了许多的滑板文化，Hip-Hop音乐，朋克文化与独特品味融合起来，通过服装进行新的文化输出。
仔细想想的话，如果当年没有藤原浩的话，可能日本的潮流发展并不会那么快。
05
Phoebe Philo
服装极简大师
Phoebe Philo
这位被封为“最懂女人的”女设计师，1973年出生于巴黎，毕业于著名时尚学府Central Saint Martins，大学毕业后加入了Chloé成为首席助理设计师，2001年成为品牌创意总监。
在Céline的十年时光，Phoebe Philo无疑让人们清楚的见识到了自己的极简主义美学是如何对时尚界产生颠覆性影响的。
你如今印象中的Céline的模样都是来自她的手笔。不需要多费口舌来回顾Philo时代有多成功。她的极简主义坚持，真正打造出了女性渴望穿着的时装——流畅的廓形、锋利的剪裁、中性的色彩和极具力量的风格。
Philo 将她特别的极简主义应用于设计中，将功能性带入到了设计的最核心地域。西美尔对于时尚的定义“时尚是永恒的不断的新”，Philo 向这个标准发出挑战。
菲比在Celine的十年，可谓一手奠定了这个品牌低调，精致而又不费吹灰之力的时髦风格。
我们现在流行的阔腿裤，毛毛拖鞋，早在2013年就已经出现在菲比的设计里。
她的设计引导女性了解自己的身体和自己的需要，学习明白哪种廓形和样式更加适合自己，而非根据短暂的潮流而追逐时尚，对于Philo 来说时尚始终强调的是生活中的舒适感和对自我魅力的认同。“如果她们为自己而穿，我就没有任何疑问… …我只是在意，有太多性感的女性形象，有太多女性为别人而穿，在这个过程中被剥夺了自己的权利。”Philo 对时尚的理解更符合黑格尔对于时尚的定义“时尚是一种时代的精神”。她的设计表达一种克制的美学，在当下这个充满了华丽的美，堆积的美和无限奇幻的美的时尚工业中特立独行，迎风而立。
曾经有记者问过菲比风格上的问题，用菲比的原话来说：“我的着装风格体现了我本人，这些衣服就是我本人风格的秀场延伸。我想要为女性建立一个衣橱，不去追逐所谓的潮流，我想要解决问题。”
她鼓励女性先取悦自己，穿令自己感觉舒服和自信的衣服。” 而她自己显然也是这么做的。实用主义优先，不追随潮流，反而更能引领潮流。
从潮流到艺术
总有人在不断重构时尚的趋势
但不变的是那份执着的匠心
致敬那些引领变革的导师
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